Archive for 30 junio 2009

1/7 – 20:30hs. – CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS en La Cumbre.

30 junio 2009

LA CUMBRE: SALA LUIS BERTI, BELGRANO 470

1 de julio, a las 20.30hs:

Vals para Bashir

(Ari Folman, Israel, 2008, 84 min.)

waltz-with-bashir-001-433 (1)

Corto previo: Amor Ciego, de Alexander Kluge (Alemania, 2002, 24 min.)

Este soberbio y heterodoxo documental animado sobre la primera guerra del Líbano (1982) no solamente constituye un triunfo sobre elglamour militarista sino que además es un discreto y eficiente señalamiento crítico contra la política exterior (e interior) del Estado de Israel. Visceralmente antibélica y formalmente psicodélica, Vals con Bashir es un tratado pop sobre el funcionamiento de la memoria y la propensión a la represión de los recuerdos, es decir, un estudio acerca de los efectos traumáticos derivados de una situación y acción vergonzosa y dolorosa sobre el psiquismo personal y colectivo. Aquí, Ari Folman, director del film, que participó en su juventud en las masacres de Sabra y Shatila (después del asesinato del líder cristiano Bashir Gemayel, aliado de los israelíes), dibuja su doble animado. Folman no recuerda y, asistido por un psicoanalista amigo, emprende un periplo de reconstrucción del pasado visitando a viejos amigos y compañeros del ejército. Es que la memoria es colectiva, y la película se nutre de esos fragmentos que devuelven lo no simbolizable, aquello que se resiste a ser pensado. Lo reprimido siempre vuelve, aquí, principalmente, como sueños: unos perros corriendo por Tel Aviv, un hombrecito que flota sobre el cuerpo de una sirena, y una reiterada escena en la que unos hombres desnudos salen del mar. La animación aliviana la narración, pero Folman jamás protege al espectador, sin por ello agredirlo o hacerlo partícipe de una orgía castrense. Vals con Bashir es precisa: la neutralidad no existe en el campo de batalla; décadas atrás alguien “olvidó” a los judíos, décadas después alguien decidió “mirar” la masacre contra palestinos. Roger Koza

1/7 – 21hs. – VIDEOTECA DEL MIRADOR en CINÉFILO

30 junio 2009

21 HS. – EN CINÉFILO BAR – BV. SAN JUAN 1020, CÓRDOBA CAPITAL

Videoteca del Mirador presenta su nuevo ciclo

Neoyorquinos: Allen – Scorsese

Calles Peligrosas

Calles Peligrosas

Calles Peligrosas, de Martin Scorsese (Estados Unidos, 1973, 112 min)

ALGUNAS CONSIDERACIONES SOBRE MEAN STREETS.


MEAN STREETS (Calles Peligrosas, 1973).

30 junio 2009

Sobre la pantalla en negro se escucha la voz del propio Scorsese que nos advierte de la necesidad de purgar los pecados en la calle, nunca en la iglesia. A continuación, la cámara nos muestra a Harvey Keitel (Charlie), despertando de un mal sueño. Su movimiento de cabeza al recostarse se encadena con el Be My Baby, de The Ronettes, fondo musical a los títulos de crédito. Se trata de familiares imágenes en super ocho con Charlie al lado de los otros protagonistas. El nombre del director aparece sobre un plano de Charlie estrechando la mano a un sacerdote.

La acción se inicia con un plano general de la «Little Italy» en plena celebración de las fiestas de San Genaro, patrón de Nápoles y del barrio. Seguidamente, el film nos presenta a los cuatro personajes masculinos con su nombre sobreimpresionado en la parte inferior: David Prodal (Tony), regenta el bar «Volpe’s» en Mulberry Street, está expulsando a un cliente que se intenta inyectar en los servicios; Richard Romanus (Michael), se dedica a pequeños trapicheos, pero alguien parece haberle vendido una partida falsa de lentes fotográficas; Robert de Niro (Johnny Boy), hace explosionar un buzón de correos en plena calle; Charlie, aparece rezando en la iglesia. Seguidamente acompañamos a este último al local de Tony al ritmo del Tell Me, de The Rolling Stones. Se dirige hacia un improvisado escenario donde una ballarina de color en «top-less» anima a la clientela. Más tarde aparece Johnny Boy con dos chicas. Mentiroso, charlatán y fulero, anda siempre metido en problemas. Charlie, su protector, empieza a estar cansado de sacarle de todos los líos.

Al día siguiente, de acuerdo con las instrucciones recibidas de su tío, Cesare Danova (Giovanni), Charlie hace una visita a Murray Boston (Oscar), propietario de un restaurante de la zona que no cumple con el pago de sus cuotas a la mafia local. Por su parte, Michael y Tony toman el pelo a dos jóvenes que se han perdido en el barrio buscando droga. Los cuatro amigos van al cine a ver The Searches (Centauros del desierto, John Ford, 1956).

La violencia parece algo consustancial con sus vidas; una noche, un chico mata a un borracho—David Carradine— en los lavabos; otro día un antiguo soldado del Vietnam la emprende con la bandera americana ante las iras de los clientes; una nueva pelea les obliga a dejer el local por la puerta trasera ante la llegada de la policía. Por cuenta de tío Giovanni, los cuatro hacen una visita a George Memmoli (Joey Catucci), dueño de un billar que también ha decidido no aflojar la mosca. Todo termina en una ruidosa bronca con el fondo de Please, Mr. Postman, de Bert Holland, interpretado por The Marvelettes.

Johnny presenta a su prima Amy Robinson (Teresa) a Charlie. Es una joven que intenta independizarse de su familia pese a no contar con el beneplácito del tío Giovanni. Inician juntos una desquiciante relación sexual agravada por los ataques de epilepsia de Teresa. Mientras, parece que el tío Giovanni tiene otros planes para Charlíe, entre ellos pasarle la propiedad del restaurante de Oscar.

Pese a las amenazas, Johnny sigue sin saldar su deuda con Michael, incluso lo ridiculiza delante de unos amigos. Decidido a zanjar el asunto, contrata los servicios de un pistolero —Martin Scorsese—. Por la noche sigue al coche de Charlíe, donde viajan éste, Teresa y Johnny después de asistir a una proyección de The Tomb of Ligeia (Roger Corman, 1964). El sicario dispara contra el vehiculo que se estrella contra la boca de incendios de la calle; Johnny es alcanzado en el cuello; Teresa sufre un ataque de nervios; Charlie, con el brazo herido, cae de rodillas en medio del asfalto. Paralelamente vemos al tío Giovanni delante de un televisor que está emitiendo The Big Heat (Los sobornados, Fritz Lang, 1953); se trata de los planos de la explosión de la bomba con Glen Ford intentando rescatar el cuerpo de su esposa. La secuencia final nos muestra las fiestas de San Genaro tocando a su fin para enlazar de nuevo con el Be My Baby, de The Ronettes.

Siguiendo los consejos de su amigo Jay Cocks, crítico de cine de Time, Scorsese recupera el guión de Season of the Witch. Se trata de una historia escrita en 1966 con su compañero de universidad Mardik Martin, que de nuevo recrea el universo coral masculino de la «Little Italy», pero lejos de la dispersión, confusión narrativa y caos total de Who’s That Knocking at my Door? Fue precisamente la mujer de Jay Cocks, la actriz Verna Bloom, quien le puso en contacto con Jonathan Taplin, organizador de las giras veraniegas de Bob Dylan y The Band, interesado en meter la cabeza dentro de la producción cinematográfica. Tipo disperso, embaucador, un poco soñador, como todos los «managers» musicales, promete encontrar el dinero recurriendo a un joven heredero de veintitrés años. Pero el tiempo pasa sin que el soñado mecenas aparezca, incluso se sirve de su amistad con Coppola para hacer llegar un ejemplar del guión a Al Pacino, sin obtener respuesta del actor. Acude de nuevo a Corman, interesado en el proyecto siempre que los italoamericanos sean negros y se traslade la accion a Harlem. La oferta no seduce a Scorsese escarmentado por los constantes manejos de su antiguo productor, en contrapartida llega a un acuerdo para utilizar su pequeña infraestructura, particularmente los equipos de iluminación y efectos especiales, de probada rapidez para una modesta película que se va a rodar en veintisiete días.

Todo ello viene acompañado por otra arriesgada decisión a nível de producción: filmar los interiores y gran parte de los exteriores, incluido el accidente final, en Los Angeles. Sólo habrá seis jornadas de equipo reducido en Nueva York, dedicados a rodar los exteriores de la «Little Italy» en fiestas, aparte de algunos planos de recurso de la ciudad. Pese a los problemas que plantea la escasa movilidad de determinados actores y de parte de la figuración, al filmarse muchas veces exteriores e interiores a kilómetros de distancia, el ahorro de producción resulta tan sustancial que no se lo piensa dos veces a la hora de camuflar el local de Tony en un bar del barrio chicano de Los Angeles, reconstruyendo el apartamento de Charlie en un edificio de despachos de Hollywood Boulevard.

El contrato de distribución con la Warner-Bross permite a Taplin reunir los 35.000 dólares necesarios para garantizar el calendario de pagos. Definitivamente, el presupuesto será de 550.000 dólares, debido al coste adicional de los derechos de la banda musical, en particular Tell Me y Jumping Jack Flash, de The Rolling Stones. Por su parte, Corman pasa a ser una productora de servicios sin ingerencia alguna en el diseño del proyecto.

Alejado de la recreación épica de una saga como los Corleone, nos encontramos frente a pequeños tiburones del hampa callejera, dedicados a negocios de poca monta, lejos de las intrigas financieras de Wall Street o del Vaticano, viviendo de pequeños trapicheos, contrabando casero en ocasiones, pequeñas extorsiones a comerciantes de la zona, aunque su máxima ambición siga siendo poder regentar un pequeño establecimiento, ser en una palabra respetables comerciantes.

Mean Streets es una historia piramidal construida sobre distintos materiales, nada grandilocuentes ni espectaculares, meras observaciones, como si se tratara de un pequeño carnet de notas sobre personajes muy próximos al mundo del director. Estamos ante una reconstrucción entre antropológica y sociológica de los italoamericanos de la tercera generación, de cómo se divierten, aman, sueñan, odian y matan, siempre en busca del dorado sueño americano, de esa quimera que les permita abandonar el horror cotidiano de su entorno.

Narrada con la fidelidad de una tragedia, donde cada secuencia es el acto de una ópera compulsiva, desgarrada, de vivos colores, como si estuviéramos frente a un perpetuo lamento sublimado por la utilización de una singular banda musical: La mayoría de las canciones las elegí antes del rodaje. El trozo final, por ejemplo, concluye todas las fiestas italianas. En cambio Be my Baby, de The Ronettes, evoca la música que sube de la calle en verano, cuando los tocadiscos automáticos están al aire libre y los chavales bailan en la calzada… Rubber Bisquit, en cambio, no estaba prevista en el guíón, ¡es una canción para salirse de la carretera si se escucha, mientras se va al volantel! Me acordé de que el rock and roll era siempre el fondo sonoro de nuestros paseos y peleas. 1

1 Entrevista de Michel ciment y Michael Henry, publicada en Positif, n° 170 En Conversaciones con Martin Scorsese, op. cit.

El punto de partida de Malas Calles podría ser una revisitación de los protagonistas de Who’s That Knocking at my Door? cinco años más tarde. Tony guarda muchos puntos de contacto con Joey, incluso ambos regentan un local parecido en Mulberry Street; Sally Gaga sería como Johnny Boy, un héroe marginal, imprevisible, de suicidas reacciones, capaz de subirse al Empire State provisto de un 38 para emprenderla a tiros con los transeúntes, bromista con las reglas de juego de una comunidad a la que desafía constantemente; Charlie es el hermano gemelo de J.R., no sólo por ser Harvey Keitel quien presta su rostro a los dos protagonistas, sino por la cantidad de contradictorios sentimientos que siempre anidan en su interior; desde una doble moral con una marcada inclinación por cierta auto-punición—la necesidad vital de sentir el fuego de una vela en la yema de sus dedos—, hasta una compleja y torturada relación con el sexo opuesto, donde la epilepsia en el caso de Teresa aporta un componente bíblico semejante al sufrido por J.R. cuando se entera de la mancillada virginidad de la chica del embarcadero. Finalmente la individualidad de Michael queda un tanto desdibujada por la propia personalidad del «clan» o banda, incluso su peso específico dentro del relato es mínimo, quedando muchas veces en un simple recurso dramático para hacer estallar el drama.

A la hora de trasladar a la pantalla este peculiar entramado de relaciones, dependencias, traiciones, amores, fidelidades y amistades, era evidente la necesidad de dotar la dirección de actores de una fuerza especial; cada gesto, réplica, contra-réplica, forma de moverse, inflexión de voz, manera de vestirse, debía ser matizada al máximo, buscando la necesaria credibilidad a los personajes de un colectivo marcadamente falocrático, víctima de sus tabúes sexuales, con un culto especial por las armas de fuego, acompañando todos sus actos de una violencia a flor de piel, motivo de diferentes exorcismos por parte de los protagonistas. Poco amigo de trabajar con actores del Método, Scorsese prefiere dejarse llevar por su intuición en el momento de la elección, mezclando profesionales con principiantes, actores con familiares: Yo no sé nada del Método. Nunca he puesto los pies en un curso de arte dramático, Es necesario que mis actores me gusten personalmente, que salgamos juntos, que estemos may cerca los unos de los otros. Necesito su confianza, espero mucho de los ensayos.2

2 Idem. nota 1.

Mean Streets significó su primer trabajo junto a Robert de Niro. Aquel principiante que un día le presentara Brian de Palma ha sabido dotar sus registros de una técnica especial, fruto de una agotadora etapa previa de observación, de búsqueda de todos los resortes emocionales, físicos, externos, intentando dar a cada secuencia el tono adecuado sin narcisismos ni sobreactuaciones. Aunque es justo señalar que todo el reparto de Malas calles parece respirar un clìmax especial: Ensayamos durante diez dìas desenmarañando juntos la red de relaciones entre los cuatro personajes masculinos y Teresa, dándoles la impresión de que podían inventar lo que quisieran. Cuando estaban lo suficientemente tranquilos, ya no se privaban de introducir gags en sus réplicas. 3

3 Idem. nota 1.

Formalmente se debía transmitir la impotencia y frustración de unos individuos de acuerdo a unos movimientos caóticos, precipitados en ocasiones, acompañados de una cierta crispación, captados con la celeridad de un reportaje, intentando documentar el modo de vida de unos seres necesitados de exteriorizar a cada momento sus reacciones. Rodada en largos planos secuencia, su estilo vino impuesto por unas duras condiciones de producción que le obligaban a filmar una media de treinta planos diarios. No se trataba de académicos «travellings», sino de movimientos rápidos y envolventes, imperfectos en ocasiones, introducidos mediante un montaje brusco sin detenerse en presentaciones ni transiciones, buscando el meollo de la historia de una forma evidente, haciendo hincapié en esa violencia emocional de brutales destellos reivindicada en más de una ocasión por Fuller. Tal vez sea Malas Calles la menos estilizada de sus crónicas sobre la Little Italy. Casi sin preámbulo alguno, seguimos a Charlie desde los planos iniciales en la iglesia al local de Tony, bañado por una sulfurosa luz roja, caminando hacia el escenario con la cámara acomodada al pecho a la manera de Constance Towers en The Naked Kiss (Una luz en el hampa, Samuel Fuller, 1964). Este movimiento se complementa con la ralentizada aparición de Johnny Boy en el Volpe’s, a los acordes del Jumping Jack Flash, de The Rolling Stones.

Repleta de brillantes encadenados sonoros que acompañan extenuantes movimientos alrededor de los protagonistas; la pelea en el billar de Catucci es un buen ejemplo. También nos encontramos con un curioso contrapeso entre el grupo de secuencias corales y las íntimas, azuladamente mortecinas, recreadas por una banda musical con populares temas italianos como el Maruzella, de Carasone, o el Addio Soqui di Gloria, de Giuseppe de Stefano, durante la reunión de mafiosos. Presentado como un moderno San Francisco de Asis, Charlie es prisionero de sus deberes con la mafia y la iglesia: La mafia es la más fuerte. Primero está la familia, es decir, la tuya más la mafia, luego la iglesia. Primero la ayuda material, luego la espiritual. En la jerarquía del respeto, el sacerdote va después del padrino.4

Representación en última instancia de los deseos de integración de una comunidad que parece amar por igual a Juan XXIII y a John Fitzgerald Kennedy—sus fotos presiden el garito del tío Giovanni—, las fiestas de San Genaro y la bandera americana, la liturgia de las misas y el cine americano. Los insertos de Centauros del desierto, The Tomb of Ligeia y Los sobornados, vienen a ilustrar la fascinación ejercida por cierto tipo de cine: Aquellas películas formaron parte de nuestras vidas. Hablamos de ellas durante horas. De Ford, por ejemplo, mi realizador favorito, veíamos una y otra vez sus películas, nos aprendíamos de memoria los diálogos. Nos definíamos según sus personajes, en comparación con John Wayne, Jeffrey Hunter o Ken Curtis. 5

4 Idem. nota 1.
5 Idem. nota 1.

Destacar como epílogo la escasa entidad del personaje de Teresa, perdido entre los caracteres masculinos del film, introducido con calzador, de una forma nada elaborada, deslabazada, un poco a la manera de la chica rubia de Who’s That Knocking at my Door?, a la que remite durante la conversación portuaria entre Charlie y Teresa, declaración de principios sobre sus gustos y preferencias, muy próxima al inicial encuentro de J.R. con la protagonista de su primer largometraje.

Pequeña autobiografía del director, que se reserva el rol de pistolero contratado por Michael, siguiendo una costumbre que se repetirá en casi todos sus films.6 Mean Strsets conocerá una excelente acogida en el Festival de New York y en la Quincena de Cannes, dando a conocer el nombre de Scorsese tanto en Europa como en la Costa Oeste.

6 Martin Scorsese ha sido uno de los gangsters de Who’s That Knocking at my Door? , cliente del burdel en Boxcar Bertha; pistolero a sueldo en Malas calles; entrevistador en Italianamerican, The Last Waltz y American Boy; empleado del Barlizon on Toro Salvaje ; realizador de televisión en El rey de la comedia y animador doi Berlin Club en After Hours.

Fragmento extraido del libro: “MARTIN SCORSESE. UN RECORRIDO PERSONAL POR EL CINE AMERICANO”. Scorsese, Martin; Wilson, Michael Henry.

30/6 – 21 hs. – ALEJANDRO JODOROWSKY en CINÉFILO BAR

30 junio 2009

21 HS. – CINÉFILO BAR – BV. SAN JUAN 1020, CÓRDOBA CAPITAL

Nuevo ciclo dedicado a la obra de Alejandro Jodorowsky:

El ojo de oro psicomágico: introspectiva de Alejandro Jodorowsky

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El Topo, de Alejandro Jodorowsky (Mexico, 1970, 125 min.)

El Topo, un pistolero oscuro y renegado que viaja por el desierto haciendo justicia por propia mano (acompañado de su hijo de 7 años), descubre el saqueó y aniquilación de un pueblo. Asumiendo su habitual papel de juez y verdugo, busca a los responsables de la masacre,  los cuáles  resultan ser una serie de militares desertores y fetichistas que pervertidos por el poder realizan toda clase de depravación contra quién se interponga en su camino. El Topo cobra con violencia la sangre derramada hasta sentir que la justicia ha sido servida. Posteriormente el Topo abandona su hijo, intercambiándolo por una mujer llamada Mara. A partir de este punto, e influenciado por Mara, el Topo se dedica a buscar y vencer a los Cuatro Maestros del Revolver, súper hombres místicos que habitan el desierto. Este nuevo viaje llevará al Topo a caer una espiral de decadencia que eventualmente lo aniquila. Sin embargo el haberse precipitado tan profundamente le otorgará la capacidad de redimirse de sus pecados y errores.

Presentación, reflexiones y charla a cargo de Alexis Cabrolié.

A propósito de Rossellini (2)

29 junio 2009

TESTAMENTO DE UN ESPIRITU LIBRE (2)

Fragmentos de una entrevista realizada por José Luis Oliver para la Revista Cambio 16, Nº 288, 19/6/1977, España.

Roberto Rossellini

Roberto Rossellini

El bigote floreado
‘Una cosa que a mí realmente me molesta de una forma terrible es ver la mitificación que se hace del artista y del intelectual. Si conocemos un poco la historia, el mundo ha estado siempre lleno de artistas e intelectuales, pero jamás tuvieron el papel que tienen en la sociedad actual. No eran semidioses: eran servidores de la sociedad. Miguel Angel era un humilde servidor de la sociedad e hizo lo que hizo. Y estos semidioses, qué han hecho? Recuerdo que un día fuimos a visitar a Dalí en Turín, donde llevaba un año y medio haciendo el retrato de una dama. Nos recibió con dos margaritas en la punta del bigote y nos dijo: ‘Pido perdón, pero no he encontrado jazmines’.
Si tenemos la fuerza de no ser unos farsantes, podemos resolverlo todo. Evidentemente, la fantasía es tan importante como lo racional, pero si no hay un punto de partida humano –pido perdón por esta palabra que me disgusta tanto como la palabra ‘artista’ o ‘arte’ o ‘intelectual’-, si no se parte de una conciencia precisa de nuestra condición humana, creo que no habrá otra cosa que delirios y que estos delirios estarán siempre alejados de la realidad. Como decía Rousseau en una carta a D’Alembert, si se juzga simplemente en términos estéticos, sin tener en cuenta los demás, no se hace un juicio, sino una parte de un juicio.
La biología nos demuestra que lo que caracteriza al hombre en tanto que especie viviente es la extensión de nuestro cerebro, que es inmensa. El cerebro humano tiene diez millones de neuronas, que son células a través de las que se establecen circuitos cerebrales y cada una puede establecer diez mil conexiones. Es una capacidad enorme, pero los descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro, que empezaron en 1962, nos dicen que en el mejor de los casos empleamos apenas el 10 por 100. Y qué hacemos para alimentar esa racionalidad? Nos dejamos llevar por nuestra tendencia al delirio y hemos abandonado por completo la racionalidad que es una aventura maravillosa, porque saber más es una aventura maravillosa tan bella como la fantasía, y es quizá menos onanista y mucho más constructiva.
Si estamos en una crisis espantosa, que afecta a nuestra vida cotidiana, es preciso buscar la forma de restablecer horizontes precisos, finalidades muy precisas hacia las que orientarse. De lo contrario, estamos sumergidos cada vez más en la confusión. El cine, tal como se hace hoy, consiste en la desacralización y el cinismo, con lo que llega únicamente a la destrucción gratuita. Destruir es necesario de vez en cuando, pero para reconstruir luego, no para quedarse simplemente en el placer de la destrucción. Así no se llega absolutamente a nada. Somos hombres o cocodrilos? Somos hombres normales, que no estamos en el manicomio ni queremos ir a él. Por consiguiente, no debemos ser maniáticos, sino que debemos tener la alegría y el placer de una renovación constante. Esta es la gran tarea que cada uno de nosotros debe cumplir.
Yo vuelvo siempre a lo mismo. Es preciso ver realmente la utilidad social de una película, que es algo que se ha tomado inconscientemente como segunda o tercera valoración, pero que nunca se plantea de entrada, y puesto que nos encontramos en una situación caótica creo que es esencial. En mi último libro Un esprit libre ne doit rien apprendre en esclave, cito constantemente a un autor que descubrí por azar a principios de los años cincuenta. Este autor, un sacerdote moravo del siglo XVII que se llamaba Jan Amos Komensky y cuyo nombre latino es Comenius, es un gran especialista de la educación y uno de los padres de la pedagogía moderna’.
Contra la escuela
‘Y lo que asombró de él, y esto dio realmente una nueva orientación a mi pensamiento, es que este pedagogo decía: >La escuela sólo sirve para crear una confusión enorme, puesto que se habla demasiado y se describen vagamente las cosas concretas. Si se pudiese llegar a la autopsia –emplea esta palabra en la significación propia de su tiempo, es decir, de ver directamente el objeto-, el problema de la información, y por consiguiente, de la educación estaría resuelto>. Es un discurso muy importante que él analiza profundamente partiendo de ejemplos. Dice: <Durante diez elecciones describo un elefante, cada uno imagina su propio elefante y el elefante no existe, pero si muestro al elefante, el elefante estará ahí<. Y su sueño de poder emplear la visión era en 1600; es lo que él llama la visión directa de las cosas.
Yo he descubierto en mí mismo lo siguiente: nosotros conocemos la ilustración, pero no conocemos la imagen directa, ya que en definitiva todo nuestro proceso mental es un proceso verbal. Por consiguiente, cuando hacemos ‘imágenes’ no hacemos más que la ilustración de un proceso mental. La visión directa es una cosa completamente distinta que debe suscitar otro tipo de dialéctica. Creo que es preciso hacer este esfuerzo. Por esta razón he desarrollado el plano secuencia, he prescindido del montaje, etc., para introducir una enorme cantidad de mensajes contextuales. Porque otra cosa que es importante es la unicidad de cada individuo. Somos semejantes, pero no somos en absoluto iguales. Entonces, quien posee fantasía entra en el discurso por la puerta de la fantasía: el que tiene mentalidad matemática entra por la puerta de lo absolutamente coherente. Se puede desarrollar aquí una amplia teoría. Yo no he resuelto el problema, pero me lo he planteado muy vivamente’.
Otros tiempos
‘Hay que decir otra cosa que creo fundamental. Los hombres son autodidactas. Hoy despreciamos el autodidactismo, pero el hombre empezó a aprenderlo todo por sí mismo. En el momento en el que nuestra especie humana apareció sobre la tierra, hace cincuenta mil años, no había profesores que nos enseñasen las cosas. Había que mirar y ver. Y hemos hecho descubrimientos sensacionales. Por ejemplo, descubrimos el lenguaje, que es una invención extraordinaria. Hemos reconocido el tiempo, que es una cosa inmensa. En la época de la revolución agrícola, hace diez mil años, el hombre descubrió que la fecundación era de una importancia enorme, y todo estaba ligado a un ritual, ya que como dice Freud, al principio fue la edad de los mitos.
Para practicar la agricultura era preciso tener un conocimiento del tiempo, de la sucesión de las estaciones. El tiempo más fácil de descubrir era el tiempo lunar. El mes lunar era de veintiocho días, lo que correspondía con el ciclo menstrual de la mujer, y por consiguiente representaba la fertilidad. Sobre esto no había duda. En este momento, había una sociedad matriarcal puesto que la mujer era la representante de la fecundidad, y el hombre era un pobre esclavo porque no se comprendía cuál era su papel en todo esto. En cierto momento se advirtió que el hombre estaba para algo en la fecundación. Entonces se le utilizaba como símbolo de una representación y en el equinoccio de invierno era degollado y su sangre alimentaba los campos. Luego los hombres quisieron defenderse y se dieron cuenta de que no existía sólo el tiempo lunar, sino también el tiempo sideral y el tiempo solar. El año sideral y el año solar no correspondía con el año lunar más que al cabo de muchísimos meses. Así, pues, este pobre hombre, que debía ser degollado en el equinoccio de invierno, pudo prolongar su vida, puesto que se estableció que debían corresponder los tres tiempos a la vez.
He ahí qué inmensa capacidad de observación. Es realmente el monumento del conocimiento humano, porque no había instrumentos, no había nada. Sólo había la mirada. Esta es, pues, la importancia de la mirada para poner en marcha este nuevo tipo de información. Evidentemente el lenguaje, como no existe ninguna verificación inmediata y se trata siempre de hipótesis, ha permitido el desarrollo de la sofística y de todos los medios de seducción. Gorgias hablaba de la importancia de hacer prevalecer las cosas que tienen menos sentido. Es una operación terrible. Sócrates luchó contra esto. La lucha de Sócrates era contra esta superchería que se hacía a la razón humana.
En cuanto se añaden nuevos datos a los tradicionales, la racionalidad cambia. La gran dificultad para llegar a una civilización científica viene dada por el hecho de que nosotros estamos acostumbrados, a través de una civilización religiosa o filosófica, a obtener soluciones para todo. Existe una verdad y todo sucede en el interior de esta verdad preconcebida. Puede existir una dialéctica dentro de ella, pero tenemos el consuelo de un resultado final seguro. La religión dice: Dios hizo el hombre a su imagen y semejanza, etc. La filosofía dice: esto es la verdad y demuestra esta verdad. Pero la ciencia representa un proceso completamente diferente. La ciencia quizá nos lleve un día a descubrir la verdad. Por consiguiente, es una aventura permanente en la que el ejercicio del cerebro debe modificar a cada instante sus perspectivas. Es una aventura, en definitiva, más bella, puesto que es la vida’.
El pensamiento básico de Marx
‘Marx representa en la historia del pensamiento un punto muy importante, porque en su tiempo encarnaba a esta nueva ciencia que se estaba desarrollando. Tenía una inmensa capacidad de síntesis y la posibilidad de clarificar las cosas de un modo extraordinario. Su punto de partida era una fe completa en el hombre, al que había que sacar de aquello que él llama la alienación y que es lo que nos convierte en extraños a nosotros mismos. Por el contrario, hay que reidentificarse constantemente, desarrollar el sentido crítico, desarrollar el sentido colaborativo y enriquecerse con las ideas de todos, no con las de uno. Este es, sin dudas, el pensamiento fundamental de Marx.
Luego está también toda la parte política, que puede tomar muchos aspectos, porque el pobre Marx tuvo también una vida muy agitada. Incluso en el seno de la liga comunista, porque cuando resolvió su gran conflicto con Proudhon, el socialista francés, tuvo que hacer frente a las discusiones con Willich y Bakunin. Y no fue un proceso fácil. Luego todos han tomado a Marx como emblema, pero quizá no se trata del Marx que él era auténticamente. Citaré el ejemplo más claro. Todos sabemos, y esto ha sido tomado como bandera por marxistas y antimarxistas, que Marx dijo: > La religión es el opio del pueblo<. Pero Marx dijo otra cosa. Su frase, que se encuentra en su Contribución a la crítica de la filosofía del derecho de Hegel, es exactamente la siguiente: >La religión es una invención del hombre. La religión es el suspiro de la criatura oprimida, el calor de un mundo sin corazón, el espíritu de una condiciones sociales de las que el espíritu está excluido: es el opio del pueblo<. La conclusión tiene un significado completamente distinto. El no era creyente, pero estaba, por ejemplo, contra el ateísmo. Decía que la religión, el ateísmo y el humanismo son ideologías y que, en cambio, debe llegarse a las teorías. Es un discurso extraordinariamente concreto.
Hay que huir de toda forma de propaganda, porque la propaganda implica una falta de fe en el hombre, ya que se supone que se le puede imponer opiniones. En cambio, hay que tener conocimientos. Conocer, simplemente, es la mejor cosa del mundo. Luego, no seremos tan estúpidos que no sepamos sacar las consecuencias de lo que conocemos. El Dr. Price, comentando la carta que Proudhon le había escrito en el momento de la revolución americana, decía: >Hay que enseñar a la gente a pensar y no lo que deben pensar<. Es una cosa realmente distinta de lo que se hace habitualmente.
Existe un slogan que ha sido muy divulgado por los chinos: >La revolución cultural no se ha hecho nunca<. Pues bien, hay que hacer la revolución cultural. Y para ello hay que disponer de una gran número de puntos de vista. Marx dice: >Lo concreto es la síntesis de varias determinaciones: unicidad de múltiples<.
Para llegar a la expresión de un pensamiento muy concreto hay que tener en cuenta todos los datos. En caso contrario, estaremos siempre dominados por las emociones, por los deseos, en lugar de lo racional. Es una cosa muy precisa. En definitiva, la libertad auténtica, real, completa, es el único camino que puede conducirnos a la racionalidad’.
De la revista CAMBIO 16, Nº 288 del 19/6/77. España.

El bigote floreado

‘Una cosa que a mí realmente me molesta de una forma terrible es ver la mitificación que se hace del artista y del intelectual. Si conocemos un poco la historia, el mundo ha estado siempre lleno de artistas e intelectuales, pero jamás tuvieron el papel que tienen en la sociedad actual. No eran semidioses: eran servidores de la sociedad. Miguel Angel era un humilde servidor de la sociedad e hizo lo que hizo. Y estos semidioses, qué han hecho? Recuerdo que un día fuimos a visitar a Dalí en Turín, donde llevaba un año y medio haciendo el retrato de una dama. Nos recibió con dos margaritas en la punta del bigote y nos dijo: ‘Pido perdón, pero no he encontrado jazmines’.
Si tenemos la fuerza de no ser unos farsantes, podemos resolverlo todo. Evidentemente, la fantasía es tan importante como lo racional, pero si no hay un punto de partida humano –pido perdón por esta palabra que me disgusta tanto como la palabra ‘artista’ o ‘arte’ o ‘intelectual’-, si no se parte de una conciencia precisa de nuestra condición humana, creo que no habrá otra cosa que delirios y que estos delirios estarán siempre alejados de la realidad. Como decía Rousseau en una carta a D’Alembert, si se juzga simplemente en términos estéticos, sin tener en cuenta los demás, no se hace un juicio, sino una parte de un juicio.
La biología nos demuestra que lo que caracteriza al hombre en tanto que especie viviente es la extensión de nuestro cerebro, que es inmensa. El cerebro humano tiene diez millones de neuronas, que son células a través de las que se establecen circuitos cerebrales y cada una puede establecer diez mil conexiones. Es una capacidad enorme, pero los descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro, que empezaron en 1962, nos dicen que en el mejor de los casos empleamos apenas el 10 por 100. Y qué hacemos para alimentar esa racionalidad? Nos dejamos llevar por nuestra tendencia al delirio y hemos abandonado por completo la racionalidad que es una aventura maravillosa, porque saber más es una aventura maravillosa tan bella como la fantasía, y es quizá menos onanista y mucho más constructiva.
Si estamos en una crisis espantosa, que afecta a nuestra vida cotidiana, es preciso buscar la forma de restablecer horizontes precisos, finalidades muy precisas hacia las que orientarse. De lo contrario, estamos sumergidos cada vez más en la confusión. El cine, tal como se hace hoy, consiste en la desacralización y el cinismo, con lo que llega únicamente a la destrucción gratuita. Destruir es necesario de vez en cuando, pero para reconstruir luego, no para quedarse simplemente en el placer de la destrucción. Así no se llega absolutamente a nada. Somos hombres o cocodrilos? Somos hombres normales, que no estamos en el manicomio ni queremos ir a él. Por consiguiente, no debemos ser maniáticos, sino que debemos tener la alegría y el placer de una renovación constante. Esta es la gran tarea que cada uno de nosotros debe cumplir.
Yo vuelvo siempre a lo mismo. Es preciso ver realmente la utilidad social de una película, que es algo que se ha tomado inconscientemente como segunda o tercera valoración, pero que nunca se plantea de entrada, y puesto que nos encontramos en una situación caótica creo que es esencial. En mi último libro Un esprit libre ne doit rien apprendre en esclave, cito constantemente a un autor que descubrí por azar a principios de los años cincuenta. Este autor, un sacerdote moravo del siglo XVII que se llamaba Jan Amos Komensky y cuyo nombre latino es Comenius, es un gran especialista de la educación y uno de los padres de la pedagogía moderna’.

Contra la escuela

‘Y lo que asombró de él, y esto dio realmente una nueva orientación a mi pensamiento, es que este pedagogo decía: >La escuela sólo sirve para crear una confusión enorme, puesto que se habla demasiado y se describen vagamente las cosas concretas. Si se pudiese llegar a la autopsia –emplea esta palabra en la significación propia de su tiempo, es decir, de ver directamente el objeto-, el problema de la información, y por consiguiente, de la educación estaría resuelto>. Es un discurso muy importante que él analiza profundamente partiendo de ejemplos. Dice: <Durante diez elecciones describo un elefante, cada uno imagina su propio elefante y el elefante no existe, pero si muestro al elefante, el elefante estará ahí<. Y su sueño de poder emplear la visión era en 1600; es lo que él llama la visión directa de las cosas.
Yo he descubierto en mí mismo lo siguiente: nosotros conocemos la ilustración, pero no conocemos la imagen directa, ya que en definitiva todo nuestro proceso mental es un proceso verbal. Por consiguiente, cuando hacemos ‘imágenes’ no hacemos más que la ilustración de un proceso mental. La visión directa es una cosa completamente distinta que debe suscitar otro tipo de dialéctica. Creo que es preciso hacer este esfuerzo. Por esta razón he desarrollado el plano secuencia, he prescindido del montaje, etc., para introducir una enorme cantidad de mensajes contextuales. Porque otra cosa que es importante es la unicidad de cada individuo. Somos semejantes, pero no somos en absoluto iguales. Entonces, quien posee fantasía entra en el discurso por la puerta de la fantasía: el que tiene mentalidad matemática entra por la puerta de lo absolutamente coherente. Se puede desarrollar aquí una amplia teoría. Yo no he resuelto el problema, pero me lo he planteado muy vivamente’.

Otros tiempos

‘Hay que decir otra cosa que creo fundamental. Los hombres son autodidactas. Hoy despreciamos el autodidactismo, pero el hombre empezó a aprenderlo todo por sí mismo. En el momento en el que nuestra especie humana apareció sobre la tierra, hace cincuenta mil años, no había profesores que nos enseñasen las cosas. Había que mirar y ver. Y hemos hecho descubrimientos sensacionales. Por ejemplo, descubrimos el lenguaje, que es una invención extraordinaria. Hemos reconocido el tiempo, que es una cosa inmensa. En la época de la revolución agrícola, hace diez mil años, el hombre descubrió que la fecundación era de una importancia enorme, y todo estaba ligado a un ritual, ya que como dice Freud, al principio fue la edad de los mitos.
Para practicar la agricultura era preciso tener un conocimiento del tiempo, de la sucesión de las estaciones. El tiempo más fácil de descubrir era el tiempo lunar. El mes lunar era de veintiocho días, lo que correspondía con el ciclo menstrual de la mujer, y por consiguiente representaba la fertilidad. Sobre esto no había duda. En este momento, había una sociedad matriarcal puesto que la mujer era la representante de la fecundidad, y el hombre era un pobre esclavo porque no se comprendía cuál era su papel en todo esto. En cierto momento se advirtió que el hombre estaba para algo en la fecundación. Entonces se le utilizaba como símbolo de una representación y en el equinoccio de invierno era degollado y su sangre alimentaba los campos. Luego los hombres quisieron defenderse y se dieron cuenta de que no existía sólo el tiempo lunar, sino también el tiempo sideral y el tiempo solar. El año sideral y el año solar no correspondía con el año lunar más que al cabo de muchísimos meses. Así, pues, este pobre hombre, que debía ser degollado en el equinoccio de invierno, pudo prolongar su vida, puesto que se estableció que debían corresponder los tres tiempos a la vez.
He ahí qué inmensa capacidad de observación. Es realmente el monumento del conocimiento humano, porque no había instrumentos, no había nada. Sólo había la mirada. Esta es, pues, la importancia de la mirada para poner en marcha este nuevo tipo de información. Evidentemente el lenguaje, como no existe ninguna verificación inmediata y se trata siempre de hipótesis, ha permitido el desarrollo de la sofística y de todos los medios de seducción. Gorgias hablaba de la importancia de hacer prevalecer las cosas que tienen menos sentido. Es una operación terrible. Sócrates luchó contra esto. La lucha de Sócrates era contra esta superchería que se hacía a la razón humana.
En cuanto se añaden nuevos datos a los tradicionales, la racionalidad cambia. La gran dificultad para llegar a una civilización científica viene dada por el hecho de que nosotros estamos acostumbrados, a través de una civilización religiosa o filosófica, a obtener soluciones para todo. Existe una verdad y todo sucede en el interior de esta verdad preconcebida. Puede existir una dialéctica dentro de ella, pero tenemos el consuelo de un resultado final seguro. La religión dice: Dios hizo el hombre a su imagen y semejanza, etc. La filosofía dice: esto es la verdad y demuestra esta verdad. Pero la ciencia representa un proceso completamente diferente. La ciencia quizá nos lleve un día a descubrir la verdad. Por consiguiente, es una aventura permanente en la que el ejercicio del cerebro debe modificar a cada instante sus perspectivas. Es una aventura, en definitiva, más bella, puesto que es la vida’.

El pensamiento básico de Marx

‘Marx representa en la historia del pensamiento un punto muy importante, porque en su tiempo encarnaba a esta nueva ciencia que se estaba desarrollando. Tenía una inmensa capacidad de síntesis y la posibilidad de clarificar las cosas de un modo extraordinario. Su punto de partida era una fe completa en el hombre, al que había que sacar de aquello que él llama la alienación y que es lo que nos convierte en extraños a nosotros mismos. Por el contrario, hay que reidentificarse constantemente, desarrollar el sentido crítico, desarrollar el sentido colaborativo y enriquecerse con las ideas de todos, no con las de uno. Este es, sin dudas, el pensamiento fundamental de Marx.
Luego está también toda la parte política, que puede tomar muchos aspectos, porque el pobre Marx tuvo también una vida muy agitada. Incluso en el seno de la liga comunista, porque cuando resolvió su gran conflicto con Proudhon, el socialista francés, tuvo que hacer frente a las discusiones con Willich y Bakunin. Y no fue un proceso fácil. Luego todos han tomado a Marx como emblema, pero quizá no se trata del Marx que él era auténticamente. Citaré el ejemplo más claro. Todos sabemos, y esto ha sido tomado como bandera por marxistas y antimarxistas, que Marx dijo: > La religión es el opio del pueblo<. Pero Marx dijo otra cosa. Su frase, que se encuentra en su Contribución a la crítica de la filosofía del derecho de Hegel, es exactamente la siguiente: >La religión es una invención del hombre. La religión es el suspiro de la criatura oprimida, el calor de un mundo sin corazón, el espíritu de una condiciones sociales de las que el espíritu está excluido: es el opio del pueblo<. La conclusión tiene un significado completamente distinto. El no era creyente, pero estaba, por ejemplo, contra el ateísmo. Decía que la religión, el ateísmo y el humanismo son ideologías y que, en cambio, debe llegarse a las teorías. Es un discurso extraordinariamente concreto.
Hay que huir de toda forma de propaganda, porque la propaganda implica una falta de fe en el hombre, ya que se supone que se le puede imponer opiniones. En cambio, hay que tener conocimientos. Conocer, simplemente, es la mejor cosa del mundo. Luego, no seremos tan estúpidos que no sepamos sacar las consecuencias de lo que conocemos. El Dr. Price, comentando la carta que Proudhon le había escrito en el momento de la revolución americana, decía: >Hay que enseñar a la gente a pensar y no lo que deben pensar<. Es una cosa realmente distinta de lo que se hace habitualmente.
Existe un slogan que ha sido muy divulgado por los chinos: >La revolución cultural no se ha hecho nunca<. Pues bien, hay que hacer la revolución cultural. Y para ello hay que disponer de una gran número de puntos de vista. Marx dice: >Lo concreto es la síntesis de varias determinaciones: unicidad de múltiples<.
Para llegar a la expresión de un pensamiento muy concreto hay que tener en cuenta todos los datos. En caso contrario, estaremos siempre dominados por las emociones, por los deseos, en lugar de lo racional. Es una cosa muy precisa. En definitiva, la libertad auténtica, real, completa, es el único camino que puede conducirnos a la racionalidad’.

De la revista CAMBIO 16, Nº 288 del 19/6/77. España.

La primer parte de este texto aquí


Semana del 29/6 al 5/7 en CINECLUBES DE CÓRDOBA

29 junio 2009

TEXTOS

A propósito de Rossellini (2). Anticipando un inminente ciclo con películas de la última época del italiano, inéditas en Córdoba, los invitamos a acercarse al pensamiento de RR en palabras recogidas por José Luis Oliver en una entrevista de 1977, poco tiempo antes de la muerte del nonno.

La primera parte del texto aquí.

PROGRAMACIÓN SEMANAL DE CINECLUBES DE CÓRDOBA

MARTES 30/6

CINÉFILO BAR – Ciclo: “El ojo de oro psicomágico: introspectiva de Alejandro Jodorowsky”.
21 hs. – El Topo
, de Alejandro Jodorowsky (Mexico, 1970, 125 min.).

MIERCOLES 1/7

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS en La Cumbre.
20:30 hs. – Vals para Bashir, de Ari Folman (Israel, 2008, 84 min.). Corto previo: Amor Ciego, de Alexander Kluge (Alemania, 2002, 24 min.).

VIDEOTECA DEL MIRADOR en CINÉFILO BAR – Ciclo: “Neoyorkinos: Allen – Scorsese”.
21 hs. – Calles Peligrosas, de Martin Scorsese (Estados Unidos, 1973, 112 min).

JUEVES 2/7

CINECLUB LA QUIMERACiclo: “Cuatro Continentes”.
20:30 hs.Otto, Arrbia los Muertos, de Bruce LaBruce (Alemania/Canadá, 2008, 95 min.). Corto previo: El Principio, de Artavazd Pelechian (Armenia, 1967, 8 min.) + POSDATA: Cortometraje de los Hermanos Quay.

CINECLUB DE LA TRAPALANDA en Río Cuarto.
21 hs. – Absurdistan, de Veit Helmer (Alemania, 2008, 90 min.).

VIERNES 3/7

VIDEOTECA DEL MIRADOR en el Colegio San José.
19 hs. – The Host, de Bong Joon-ho (Corea del Sur, 2006, 119 min.).

CINECLUB LA NOCHE DEL CAZADOR – Ciclo: “Jia Zhang-ke, los escombros del mundo”.
21 hs. – Dong, de Jia Zhang-ke (China, 2006, 66 min.).

SÁBADO 4/7

CINECLUB PASIÓN DE LOS FUERTES – Retrospectiva Jean Renoir.
19 hs. – La Gran Ilusión, de Jean Renoir (Francia, 1937, 114 min.).

DOMINGO 5/7

CINECLUB COLISEO en Bell Ville.

Cineclub Coliseito
16 hs. Tres cortos animados: Elvira, la Trapecista (Córdoba, 2004, 8 min.) ; Viaje a Marte (Buenos Aires, 2004, 16 min.) y Rojo Red (Colombia, 2005, 11 min.). Y un Cuento: Tío Lucas contado por Patricia Aquino.

Ciclo: Mujer tras la cámara
18 hs. – Las Mantenidas sin Sueño, de Vera Fogwill (Argentina/España, 2005, 97 min.).

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS en Villa Giardino
20 hs. – Sobre el Tiempo y la Ciudad, de Terence Davies (Inglaterra, 2008, 74 min.). Corto previo: Nuestras Islas Malvinas, de Raymundo Gleyzer (Argentina, 1966).

CINECLUB LA LINTERNA MÁGICA en Río Ceballos – mini-ciclo: “Samurais”.
21 hs. – Le samourai, de Jean-Pierre Melville (Francia/Italia, 1967, 105 min.).


27/6 – 19hs. – CINECLUB PASIÓN DE LOS FUERTES

27 junio 2009

19 HS. – CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL, BV. SAN JUAN 49. CÓRDOBA CAPITAL

Retrospectiva Nicholas Ray

bigger than life

Más poderoso que la vida, de Nicholas Ray (EE.UU., 1956, 95 min.)

Presentación a cargo de Alejandro Cozza

+ Texto: Nick/Sam, por A. Cozza.

25/6 – 20.30 hs. – CINECLUB LA QUIMERA en LA LUNA

25 junio 2009

20.30 HS. – LA LUNA – PASAJE ESCUTI ESQUINA FRUCTUOSO RIVERA, CÓRDOBA CAPITAL

Ciclo Cuatro Continentes + Pelechian + Posdata (Tscherkassky) / última sesión

Tony Manero

Tony Manero, de Pablo Larraín (Chile/Brasil, 2008, 98 min.)

Ambientada en el Santiago de fines de los años setenta, en plena dictadura de Pinochet, el film cuenta la historia de un particular bailarín amateur de cincuenta años que impasible a la humilde, violenta y marginal realidad que vive está obsesionado con el personaje de John Travolta “Tony Manero”, de Fiebre de Sábado por la Noche. El concurso “Igualitos a” del “Festival de la Una” parece la oportunidad soñada para demostrar su talento como bailarín. El protagonista Raúl Peralta hará lo que cueste por triunfar en ese popular concurso interpretando a Tony Manero.

Panorama Pelechian: Las estaciones, de Artavazd Pelechian. Armenia, 1975, 30′.

Posdata: Manufraktur, de Peter Tscherkassky. Austria, 1985, 2.54′

Entrada libre / Contribución voluntaria

25/6 – 21 hs. – CINECLUB DE LA TRAPALANDA en Río Cuarto

25 junio 2009

21 HS. – CENTRO CULTURAL DE LA TRAPALANDA – COLÓN 149, RÍO CUARTO

Red

Red, de Trygve Allister Diesen y Lucky McKee (Estados Unidos, 2008, 93 min.).

Drama, basado en una novela de Jack Ketchum. Su perro Red es su mejor amigo. Cuando un grupo de adolescentes matan al perro sin razón alguna, el hombre decide vengarse. Film independiente que enfoca temas tales como la búsqueda de justicia, la impotencia ante la impunidad, la falta de escrúpulos, la indisciplina, el choque de valores y las conductas violentas; la falta de respeto hacia la vida en cualquiera de sus manifestaciones…

24/6 – “Cine sin concesiones” en CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS

24 junio 2009

A PARTIR DE LAS 18 HS. – LA CUMBRE: SALA LUIS BERTI, BELGRANO 470

Ciclo Cine sin concesiones

A las 18 hs:

¿Dónde yace tu sonrisa escondida?, de Pedro Costa, Portugal-Francia, 2001

103’ / ATP

No es necesario haber visto ninguna película de Jean-Marie Straub y la recientemente fallecida Danièle Huillet para apreciar este sublime y frecuentemente cómico film sobre cómo trabajan juntos en el montaje de una película. Esta pareja peleadora, amable y excéntrica y el director Pedro Costa son vanguardistas que poseen un agudo entendimiento del llamado cine clásico (Chaplin, Ford, Hawks, Mizoguchi, Ozu), lo que llega a ser evidente en los monólogos de Straub, los cortes precisos en el montaje de Huillet (que se ven en detalle), y en el hermoso modo en el que Costa los filma a los dos. El crítico australiano Adrian Martin dice: “probablemente es el mejor documental que he visto en mi vida”; sin duda, es el mejor film jamás hecho acerca del montaje cinematográfico. Codirigió Thierry Lounas. (Jonathan Rosenbaum)

A las 20.30hs:

El fuego artificial del miércoles, Asghar Farhadi, Irán, 2007

98 minutos / ATP

Cortometraje previo, a las 20.00hs: La propia historia de ella, de Jane Campion, Nueva Zelandia, 1984

La tercera película de Farhadi es un estudio sensible e inteligente sobre los celos y el adulterio en el seno de una familia de clase media en Teherán, aunque indirectamente también se trata de un film sobre la interacción de clase, aquí entre una joven doméstica y un matrimonio en crisis. Farhadi es meticuloso en los detalles: el sonido anticipa una amenaza, y la fluidez de sus planos secuencia le imprime a la película un ritmo que se combina con la ansiedad de uno de los protagonistas. Universal por su temática y singular por su tratamiento, El fuego artificial del miércoles trabaja sobre el espacio como un ente dramático: el departamento del matrimonio parece una metáfora del vínculo; los pasajes que transcurren en las calles, en plenas festividades, subrayan la algarabía colectiva de una sociedad. Farhadi es un exponente del nuevo cine iraní que nada le debe ni a Kiarostami ni a Majid Majidi, dos figuras emblemáticas del cine persa contemporáneo; su elegante puesta en escena induce a pensar que se está ante un realizador cuyo techo es todavía impredecible. (Roger Koza)

24/6 – 21hs. – VIDEOTECA DEL MIRADOR en CINÉFILO BAR

24 junio 2009

21 HS. – EN CINÉFILO BAR – BV. SAN JUAN 1020, CÓRDOBA CAPITAL

Carlito's way

Carlito’s way, de Brian de Palma (EE.UU., 1994, 140 min.)

Llega a su fin la breve retrospectiva de Brian De Palma, motivo de la edición del mes de junio de nuestro ciclo de los días miércoles en Cinéfilo Bar. Así, el día 24/06 tendrá lugar la proyección de “Carlito’s way”, película considerada por muchos como una de las mejores realizaciones cinematográficas de los ’90. Se trata de un relato impactante, una suerte de réquiem audiovisual referido a Carlito Brigante, personaje interpretado por un estupendo Al Pacino. Brigante es un hombre que busca alejarse definitivamente de su condición de narcotraficante, luego de purgar cinco años en prisión, lugar al que no quiere volver jamás. Carlito sólo desea juntar algo de dinero para poder iniciar una nueva vida, pero deberá enfrentar circunstancias plagadas de dificultades. En palabras del crítico Eduardo A. Russo, (en esta película) “De Palma nos compromete de lleno con un protagonista que intenta levantar cabeza en medio de una cloaca que se lo traga. Anacronismo viviente, pero aun: leyenda que osa seguir viviendo, jugando un juego cuyas reglas han cambiado, Carlito es –de entrada- un personaje trágico” (“El Amante Cine” Nº 23, Enero de 1994). por Videoteca del Mirador

23/6 – 21 hs. – RAÚL RUIZ en CINÉFILO BAR

23 junio 2009

21 HS. – CINÉFILO BAR – BV. SAN JUAN 1020, CÓRDOBA CAPITAL

Cierre del ciclo “Raúl Ruiz. Poética metafísica del cine”

Ce jour la

Ese día, de Raúl Ruiz (Francia/Suiza, 2003, 105 min.)

Presentación, reflexiones y charla a cargo de Alexis Cabrolié.

A propósito de Rossellini (1)

22 junio 2009

TESTAMENTO DE UN ESPIRITU LIBRE (1)

Fragmentos de una entrevista realizada por José Luis Oliver para la Revista Cambio 16, Nº 288, 19/6/1977, España.

Roberto Rossellini

Roberto Rossellini

“Mi preocupación fundamental es la siguiente: creo que vivimos en un mundo en crisis. Es un hecho real. Carter, el presidente de la nación más moderada del mundo, ha lanzado hace quince días un grito de alerta diciendo que ya no tenemos suficiente energía. Ese es un problema grave. Hace unos días ha habido una reunión en Londres. Allí se habló en términos monetarios, pero la conclusión es la misma. No hay duda de que vivimos la crisis del final de una civilización. Y creo que esta crisis se refleja mucho, por ejemplo, en la producción cinematográfica. El cine es un espejo de esta crisis. Pero, ¿basta con que sea un espejo o es preciso que los cineastas sean más que un espejo? Vemos en la historia que, en general, las civilizaciones tienen miedo ante la muerte y se suicidan. ¿Acaso debemos ser suicidas? ¿O debemos analizar las enfermedades de orden social, psicológico, etc., que nos aquejan y tratar de ponerles remedio? Y puesto que disponemos de poderosos medios de comunicación debemos utilizarlos para que todo el mundo pueda pensar, para que todo el mundo pueda expresarse, o sea, debemos utilizarlos con una razón social. El cine debe ser un gran elemento de la cultura, pero la cuestión que debe plantearse es si el cine, en su actividad general –evidentemente hay excepciones-, va en esta dirección o no. Este es mi punto de interrogación.
”No me gusta hablar de mí, pero voy a poner un ejemplo preciso. Hace treintas y dos años, cuando hice Roma, cittá aperta, yo era un pobre desgraciado, después de padecer años de hambre auténtica, de nueve meses de ocupación de Roma, nueve meses de vivir en los sótanos… Era absolutamente trágico. Y yo hice la película que para mí era una especie de toma de conciencia de lo que habíamos pasado. Y así empezó en Italia el movimiento neorrealista. Sobre el neorrealismo se ha delirado mucho, pero para mí el neorrealismo era liberarse de la esclavitud de las abrumadoras estructuras que pesaban sobre el cine. Para mí era una invención de orden técnico para salir del templo de los estudios donde se celebraba el rito del cine. Salimos a las calles, había mil cosas que inventar y ello daba un amplio margen de libertad.
”Hasta cierto momento se aprovechó este margen de libertad, pero luego volvieron las estructuras con su fuerza, con sus leyes y todo volvió a entrar en el ritual. Personalmente, creo que esto supuso una castración de lo que se podía hacer. Además, en el momento en que a pesar de todo algo empezaba a suceder –se hablaba de un cine de autor, suscitando numerosos odios-, he aquí que llega la televisión y se produce un fenómeno para mí doloroso: la rivalidad cine-televisión. ¿Qué sucede entonces? Que para defenderse el cine ensancha las pantallas, introduce los medios más espectaculares en su apariencia y pierde su sustancia.”.

Cine versus televisión

“Y veamos lo que sucede en la televisión. Hay dos tipos de televisión: la americana que se basa en la publicidad y cuya preocupación es la de vender tiempo al precio más alto posible y para ello fabrica productos de nivel cada vez más bajo, ya que la popularidad –en el estado de enfermedad mental y moral en el que nos encontramos-, obliga a seguir el camino más bajo. Y luego está la televisión estatal, como en Francia, Italia, España, etc., que es un monopolio del Estado. El Estado exige un impuesto que debe pagarse por anticipado porque va a ofrecer un servicio de promoción. ¿Cumplen su trabajo estas televisiones estatales? No. Citaré una estadística muy simple. La televisión francesa en diez años, de 1996 a 1976, ha doblado sus ingresos y ha disminuido su producción en el 50 por 100. Es un dato. No hacen falta comentarios.
”Por consiguiente habría que revisar el sistema y eso sería la solución. La televisión llega a millones de espectadores. Por lo tanto creo que es absurdo mantener la división entre cine y televisión. Deberían ser lo mismo. Son dos medios de difusión distinto, eso es todo.  Y si se lograse –y se conseguirá, porque las cosas suceden fatalmente en el mundo-, conectar el cine con la televisión, la televisión se haría inmensamente más creativa, el cine sería menos escandaloso y tendríamos ante nosotros una posibilidad de expresión muchísimo mayor.
”Ahora bien, hay que ver cómo empleamos estos medios. Que el cine y la televisión sirvan únicamente como medios de distracción, me parece un poco exagerado. Necesitamos distracciones, pero necesitamos también reorientarnos y comprender. Y esto no nos lo proporciona la instrucción tradicional, porque está pensada para introducirnos en una sociedad estructurada de una forma muy precisa: uno es doctor, otro se hace abogado, otro físico, y éstos son sus deberes sociales. Pero hay un deber superior que es el de aprender el oficio del hombre, para ser lo más consciente posible. Todo el pensamiento de los socialistas franceses, por ejemplo, que hablaban de la necesidad de una educación integral para poder comprender todo lo que nos rodea y, por consiguiente, no ser víctimas, sino protagonistas, me parece de una importancia fundamental. Y estos medios ofrecen esta posibilidad porque pueden mostrar directamente las cosas como son.”.

Semana del 22/6 al 28/6 en CINECLUBES DE CÓRDOBA

22 junio 2009

TEXTOS

A propósito de Rossellini (1). Anticipando un inminente ciclo con películas de la última época del italiano, inéditas en Córdoba, los invitamos a acercarse al pensamiento de RR en palabras recogidas por José Luis Oliver en una entrevista de 1977, poco tiempo antes de la muerte del nonno.

Nick/Sam, por Alejandro Cozza. Versión completa en pdf.

PROGRAMACIÓN SEMANAL DE CINECLUBES DE CÓRDOBA

MARTES 23/6

21 hs.CINÉFILO BAR – Ciclo: “Raúl Ruiz. Poética metafísica del cine”.
Ese día
, de Raúl Ruiz (Francia/Suiza, 2003, 105 min.).

MIERCOLES 24/6

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS en La Cumbre. Ciclo “Cine sin concesiones”.

18 hs. – Dónde yace tu sonrisa escondida, de Pedro Costa (Portugal/Francia, 2001, 103 min.).
20hs. – Cortometraje La propia historia de ella, de Jane Campion (Nueva Zelanda, 1984)
20.30 hs. – El fuego artificial del miércoles, de Asghar Farhadi (Irán, 2007, 98 min.)

21 hs. – VIDEOTECA DEL MIRADOR en CINÉFILO BAR – Ciclo: “Brian De Palma”.
Carlito’s way, de Brian de Palma (Estados Unidos, 1993, 144 min).

JUEVES 25/6

20:30 hs. – CINECLUB LA QUIMERA – Ciclo: “Cuatro continentes + Pelechian + Posdata”.
Tony Manero, de Pablo Larrain (Chile/Brasil, 2008, 98 min.) + cortometraje previo: Las estaciones (Artavazd Pelechian) + posdata: Manufraktur (Peter Tscherkassky).

21 hs. – CINECLUB DE LA TRAPALANDA en Río CuartoRed, de Trygve Allister Diesen y Lucky McKee (Estados Unidos, 2008, 93 min.).

VIERNES 26/6

19 hs. – VIDEOTECA DEL MIRADOR en el Colegio San José – Donnie Darko, de Richard Kelly (EE.UU., 2001, 113 min.).

21 hs. – CINECLUB LA NOCHE DEL CAZADOR – Ciclo: “Jia Zhang-ke, los escombros del mundo”.
El mundo, de Jia Zhang-ke (China, 2004, 143 min.).

SÁBADO 27/6

19 hs. – CINECLUB PASIÓN DE LOS FUERTESRetrospectiva Nicholas Ray.
Más poderoso que la vida, de Nicholas Ray (EE.UU., 1956, 95 min.).
+ cuarta (y última) parte del texto Nick/Sam, de Alejandro Cozza.

DOMINGO 28/6

18 hs. CINECLUB COLISEO en Bell Ville – Ciclo: “Grandes directores clásicos del cine”.
Persona, de Ingmar Bergman (Suecia, 1986, 85 min.).

20 hs. – CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS en Villa Giardino
El jefe de todo esto, de Lars von Trier (Dinamarca, 2006, 99 min.). Corto previo: Forklift driver Klaus, de S. Prehn y J. Wagner (Dinamarca, 2000, 16 min.)

21 hs. – CINECLUB LA LINTERNA MÁGICA en Río Ceballos – mini-ciclo: “Samurais”.
Le samourai, de Jean-Pierre Melville (Francia/Italia, 1967, 105 min.)

21/6 – 21hs. – LA LINTERNA MÁGICA en RÍO CEBALLOS

21 junio 2009

21 HS. – CENTRO CULTURAL COOPERATIVO CASA AZUL – SALTA 55 A METROS DE LA TERMINAL, RÍO CEBALLOS

Mini ciclo: SAMURAIS: sobre el honor y la muerte.

Ghost Dog: The way of the samurai

(Jim Jarmusch, Francia/Alemania/EEUU, 1999, 116 min.)

ghost-dog

Para más info visitar LALINTERNAMAGICACINECLUB.BLOGSPOT.COM

21/6 – 20hs. – CON LOS OJOS ABIERTOS en VILLA GIARDINO

21 junio 2009

20 HS. – SALA TEATRO CINE ALEJANDRO GIARDINO – VILLA GIARDINO

Sokurov en foco

Madre e hijo

(Alexander Sokurov, Rusia, 1997, 71 min.)

MADRE HIJOjpgCorto previo: Nuestras islas malvinas (Raymundo Gleyzer, Argentina, 1966).

Además de en el fascinante video en blanco y negro Elegía oriental, el costado pictórico y visionario del realizador ruso Alexander Sokurov jamás ha sido tan evidente como en esta esplendorosa contemplación de un hijo que cuida a su madre moribunda. La historia es mínima, pero los colores de las imágenes son tan asombrosos que no existe ningún momento laxo; incluso cuando la acción, ya de por sí lenta, permanece reducida a una virtual parálisis, la intensidad de Sokurov nos asegura que algo está siempre sucediendo, tanto en la pantalla como dentro de nosotros. Por su gusto y su paciencia, Sokurov puede ser nuestro único y verdadero vanguardista del siglo XIX, lo que significa que sus películas son eternas. Jonathan Rosenbaum.

21/6 – 18hs. – CINECLUB COLISEO en BELL VILLE

21 junio 2009

18hs. – EN EL CINE TEATRO COLISEO – SAN MARTÍN 52, 3ER PISO – BELL VILLE

La tercera entrega del ciclo “Grandes directores clásicos del cine” viene de la mano de François Truffaut.

Los 400 golpes

(François Truffaut, Francia, 1959, 95 min.)

400blows1

Para más info visitar cineclubcoliseo.blogspot.com

20/6 – 19hs. – CINECLUB PASIÓN DE LOS FUERTES

20 junio 2009

19 HS. – CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL – BV. SAN JUAN 49, CÓRDOBA CAPITAL.

Sigue la retrospectiva de Nicholas Ray en Pasión de los Fuertes. Presentación a cargo de Alejandro Cozza. Entrada libre y gratuita.

Nick Ray y James Dean. Director y protagonista de Rebelde sin causa.

Nick Ray y James Dean. Director y protagonista de Rebelde sin causa.

Rebelde sin causa, de Nicholas Ray (EE.UU., 1955, 111 min.)

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Nick/Sam (Tercera parte)

por Alejandro Cozza

Rebeldía y sus causas, la industria de espaldas y el amigo alemán

Al igual que en Fuller, un ingrediente clave en el cine de Ray y que reaparece una y otra vez, es el tema de la violencia latente en el ser humano que a su vez los convierte en seres apasionados y románticos como paradoja de opuestos. De esta tensión ambos sacan a relucir emoción verdadera. Ambos fueron las cabezas más visibles de lo que se dio en llamar la “generación de la violencia” del cine norteamericano, un rasgo que unió en la década del cincuenta y principios de los sesenta a un grupo de directores que buscaron alejarse de los grandes estudios, ya sea de los elevados presupuestos, como de las potentes luces y gigantescos decorados de cartón de los enormes galpones (set’s de filmación) para respirar un poco de aire fresco, conocer la luz del sol, y empaparse de verismo en las calle de las grandes ciudades. Y andando por las calles no encontraron una América feliz, con gente viviendo en familia, en casitas blancas y jardines con flores. Encontraron una sociedad escindida, luego de la segunda guerra mundial y auge de la guerra fría. Y un odio contenido entre sus ciudadanos que explotaba en cuotas de virulenta violencia. Eso fue reflejado en la pantalla, y este rasgo no solo unió a Fuller y Ray, sino que también estrecharon alianza con otros directores surgidos en esos años. Me refiero fundamentalmente a Robert Aldrich, Richard Brooks, Don Siegel, Richard Fleischer y Sam Peckimpah.

Wim Wenders / Nicholas Ray

Wim Wenders / Nicholas Ray

Si bien tanto Ray como Fuller compartieron su esplendor en los cincuenta cuando sus films coincidían con el éxito de taquilla -de Ray sobresalen “Horas de angustia” (1950), “Muerte en un beso” (1950), “On dangerous ground” (1951), “The lusty men” (1952), la ya mencionada “Johnny Guitar”, “Rebelde sin causa” (1955), y “Bigger than life” (1956); de Fuller, “Casco de acero”, “El rata”, “La casa de bambú” (1955), “Run of the arrow” (1957), “Forty guns”, “El kimono escarlata” (1959) y “Underworld U.S.A.” (1960)- no fueron del todo comprendidos por el Hollywood de ese entonces y dejados de lado en los sesenta, rechazados como fruta podrida. Fue necesaria que la feroz y vehemente insistencia de los críticos franceses de la “Nouvelle Vague” hiciera ver al mundo la aberración que se cometía sobre ellos. Por las diferencias existentes en el carácter de cada uno, y los diversos destinos que les toco jugar en suerte, Ray nunca pudo filmar fuera de la presión de los estudios, siempre fue un director por encargo, solo que en sus encargos latía una forma de hacer cine, y de entender la vida, diferente al resto de los directores a sueldo que pululaban en los estudios de las “majors”. Pero la autoconciencia de esa realidad fue la que lo llevó a un final anticipado de su carrera, e imagino, de su vida. Fue “obligado durante muchos años a hacer concesiones y a satisfacer las blandas expectativas del publico de los 50. Llegando finalmente a la conclusión de que era mejor abandonar Hollywood, y se convirtió en un exiliado, en un hombre errante, en un rebelde sin posibilidad de proseguir su carrera, en un director condenado a la impotencia… y pasó los dieciséis últimos años de su vida, marginado del sistema comercial de Hollywood”. Sus ultimas superproducciones, “Rey de reyes” (1961) y “55 días en Pekín” (1963), fueron demasiado para él, la última tuvo que ser terminada por otros directores. No volvería a dirigir, y cuando lo intentó, nunca pudo concluir sus obras, un fantasma, el de los proyectos inacabados, se le prendió a su piel y lo condenó. Cuando quiso imponerse ya fue demasiado tarde, chocó contra todos los despachos, contra todas las productoras. El alcohol y las depresiones profundas a las que se abandonó en un constante proceso de autodestrucción concluyeron en un cáncer que acabaría con su vida en 1979. Hecho que Wim Wenders registraría minuciosamente en su film “Nick’s movie-Relámpago sobre el agua” (1979), en donde lo que en un comienzo iba ha ser un film conjunto entre ambos directores, se termino transformando en un film fúnebre y, en un sentido, bello homenaje a Nick Ray debido al agravamiento repentino de su salud. No fue Godard el único cineasta moderno que homenajeó insistentemente a estos dos grandes del cine norteamericano. Bernardo Bertolucci los cito en imágenes y texto en “Los  soñadores” como telón de fondo audiovisual al mayo del ´68. Wim Wenders en numerosas ocasiones convocó a Sam Fuller y a Nick Ray para que actuaran en algún que otro papel en sus films. El mas célebre, además del ya mencionado “Relámpago sobre el agua”, seria en “El amigo americano” (1977), homenaje de Wenders al cine negro norteamericano (basado en una novela de Patricia Hightsmith), en donde Ray interpreta a un pintor y Fuller al jefe mafioso y productor de películas pornográficas. En dicho film, el papel mas conmovedor se lo lleva Ray, el rol de Fuller es totalmente bizarro, que interpretando un artista al que el mundo creía muerto, se convierte extrañamente en una metáfora de su propia decadencia, “el paralelismo con su vida real resulta evidente. La película rendía homenaje a su figura en un inolvidable plano final, en el que Ray daba la espalda a la cámara y se alejaba perdiéndose a la distancia. Veinte años antes, Ray había aparecido en el último plano de “Rebelde sin causa”, deteniéndose brevemente para admirar un lecho de flores. Al final de “El amigo americano” camina con dificultades y la escena se va oscureciendo progresivamente según se aleja. Se trata de un momento cinematográfico de gran brillantez con el que Nicholas Ray, un gran romántico a pesar de todo su pesimismo, debió sentirse plenamente identificado”. Todo un homenaje por parte de Wenders a un cineasta y a un cine que desgraciadamente ya no existe. Con similar motivo, Fuller volvería a aparecer luego, bajo las órdenes de Wenders en “Hammet-Investigación en el barrio chino” (1982), “El estado de las cosas” (1982) y en “El fin de la violencia” (1997), su ultimo papel en el cine antes de su muerte en 1997.

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20/6 – 18hs. – Conferencia “Cómo ir hacia una imagen”, en La Cumbre

20 junio 2009

En una actividad especial organizada por el CINECLUB  CON LOS OJOS ABIERTOS, Roger Alan Koza dictará este Sábado 20, a las 18 hs., la conferencia Cómo ir hacia una imagen. Algunas cuestiones sobre cómo percibir imágenes cinematográficas. EN GERÓNIMO BAR, LA CUMBRE.

como ir hacia una imagen

19/6 – 21hs. – CINECLUB LA NOCHE DEL CAZADOR en CINÉFILO.

19 junio 2009

Viernes 19 de junio, 21 hs – en Cinéfilo Bar, Bv. San Juan 1020. Córdoba Capital.

Ciclo “Jia Zhang-ke, los escombros del mundo”

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Placeres desconocidos  (Jia Zhang-ke, China, 2002, 113 min.)

Rebeldes y confundidos
 
Mierda, ¿es que nos atacan los americanos? dice uno de los protagonistas de Placeres Desconocidos cuando escucha una explosión, lo que estalla es en verdad una fabrica cercana a donde vive, Datong una ciudad de la provincia de Shanxi.En ella Bin Bin y Xiao Ji dos jóvenes desempleados pasan el tiempo fumando y jugando al pool y moviéndose de un lugar a otro en moto .Uno, el mas impulsivo, se enamora de una actriz(Zhang Tao)que es manejada por un mafioso, el otro tiene novia pero se esta  yendo a estudiar en Beijing. Placeres Desconocidos pertenece difusamente al subgénero de películas de jóvenes que se denominan Coming of Age(adolescentes en proceso de cambios personales para entrar en juventud madura)pero acá no hay nostalgia por el tiempo que se va y no solo ellos están en ese proceso, también su sociedad,.En las películas de Jia siempre se esta demoliendo y reconstruyendo algo, un barrio en Xiao Wu(1997),una represa en Still Life, en Placeres Desconocidos lo que se construye es una autopista, la televisión, no los parlantes comunitarios, informaran de estos sucesos y otros como Beijing ganando el derecho de organizar los juegos olímpicos. Lo que se gesta en Platform y en Xiao Wu es inminente-el paso de la china comunista a la economía de mercado- ahora es un (casi) hecho, los jóvenes ahora ven Pulp Fiction(Jia cita explícitamente pero también con ironía el film de Quentin Tarantino)y los dólares son premios en promociones de bebidas. Pulp Fiction, un dólar, Unknown Pleasures es, como Platform, el titulo de una canción pop. Los personajes se identifican con esos elementos,las canciones pop, pero vemos también lo perdidos que están a través de los mismos , así un joven cree que un dólar vale fortunas y que se puede robar un banco al estilo de las películas de Tarantino.
Placeres Desconocidos es la primera película de Jia Zhang Ke filmada en soporte digital, la puesta en escena así lo requiere,  digital da mas inmediatez, mas sensación de No Future, sentimiento que acompaña a Bin Bin y su amigo(¿para que vivir mas de treinta años? se pregunta Xiao Ji ).En uno de los últimos planos Bin Bin le regala un celular a su novia, para estar mas cerca, dice el .Las bombas cayeron hace tiempo, en forma de celulares, dólares y Pulp Fiction.
Jose Fuentes Navarro.